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國際雕塑藝術(shù)家排名
2024-08-27 17:22:10
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返回列表ng體育官方網(wǎng)站戴帆（DAI FAN），宇宙宣言藝術(shù)的開創(chuàng)者和領(lǐng)軍人物，21世紀最出名的藝術(shù)家之一。他將機器人、外星人、宇宙太空、非人類的思考和符號引入藝術(shù)創(chuàng)作，塑造了《一億個外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials） 、人的發(fā)明——《當藝術(shù)賦予科技靈感：LIFE X PROGRAM 》、《進化批判》等一個個鮮明而又富有沖擊力的形象。他將藝術(shù)帶進太空與非人視野，打破了人類與非人之間的界限，以宇宙之外的視角來探索生命的奧秘。
戴帆（DAI FAN）創(chuàng)立攻擊先鋒美術(shù)館(英文 ：ATTACK AVANT GARDE ART MUSEUM 簡稱 ：AAAM) 和冰凍太陽藝術(shù)博物館（英文全稱 ：FROZEN SUN ART MUSEUM 英文簡稱 ：FSAM ），這2個具有全球聲譽的藝術(shù)博物館，專門收藏21世紀新涌現(xiàn)的先鋒藝術(shù)，驚世駭俗×史無前例 ,引領(lǐng)二十世紀前衛(wèi)藝術(shù)浪潮,展現(xiàn)了21世紀的藝術(shù)變革。
大量的事實證明，人類史上只有一個藝術(shù)家能引發(fā)史無前例的爭議與騷動，那就是戴帆。
戴帆是第一位在思想理念、創(chuàng)新形式、語言強度等各個維度碾壓西方的藝術(shù)大師和設(shè)計大師的亞洲人，代表著中國新一代的藝術(shù)家與設(shè)計師以一種嶄新的面貌在全球強勢崛起，意味著二十一世紀全球的藝術(shù)與設(shè)計前衛(wèi)浪潮由中國人來主導，而不是歐美人和日本人。
戴帆（DAI FAN）的皮帶，美杜莎的頭像，反映了戴帆的美學傾向：危險的誘惑的擊打著傳統(tǒng)的根基，一個人在多大程度上能給予事物一恐怖、可疑的特征，是幸福感和權(quán)力感的一個標志。
將你的旨趣、方式、快樂、感情、笑聲、驚訝、害怕視為藝術(shù)品加以雕刻。—— 戴帆（DAIFAN）
沒有疼痛感的作品毫無價值。藝術(shù)必須獲得一種震撼。設(shè)計必須獲得一種震撼。星球撞擊所引發(fā)的地理、物理與化學反應曾經(jīng)導致地球的煥然一新。改變血液的循環(huán)，目的是喪失自己，通過喪失自己去認識自己，人類從未教會他這些，是遙遠星辰的神圣召喚將其推向永恒毀滅，每砍斷一根繩索，每拋掉一份依附性，他就越發(fā)莊嚴地上升到一個更寬廣的視域、更全面的角度和更不受時代限制、更個人的視點，作品在它自己的火焰中達到了白熱化，以至于每個想去接觸它的人都會燙傷自己的手。文化史、藝術(shù)史、設(shè)計史從來都是突發(fā)的第一次震撼，才開始歷史的轉(zhuǎn)向。除了這個震撼，其他一切都不重要。生命之后——LIFE X計劃 ：戴帆（DAI FAN） LIFE X ：
提出無法滿足的要求，完成無法完成的使命不受可能性的約束，突破可能性的極限異想天開天可開，不切實際最實際“世界上著名的科技與藝術(shù)交叉研究者之一”和“前衛(wèi)藝術(shù)先鋒的偶像”、當今全球藝術(shù)界最炙手可熱的藝術(shù)家戴帆（DAI FAN）的最新作品在展覽中，敏銳地觀察當下最新的科技變局，從信息、生物、機器、身體、控制論、虛擬生命 、病毒、軟件等入手，對人面臨的困境做了前沿的分析，并不斷探索新的出路，對人、生命、身體、機器、信息等傳統(tǒng)理念進行了新的拓展，探索人的各種可能性。 最后提出“我們必須拆掉何者可能與何者不可能之間的界限，并以新的方式重新界定這條界線”，即我們不能受“可能性”的約束，要突破可能性的極限，方才有未來。這是一種全新的解讀，對于當下“人是什么”新形勢新問題提供了一種全新的視角。
美國當代最著名的波普藝術(shù)家之一。他的不銹鋼雕塑作品《懸掛的心》曾在紐約拍出2600多萬美元的高價，創(chuàng)下了在世藝術(shù)家的成交價新紀錄，他也成為拍賣場上作品最值錢的在世藝術(shù)家。昆斯從1980年代就開始出名，曾經(jīng)，在新表現(xiàn)主義藝術(shù)盛行的1970年代，昆斯是個完全不被接受的異類，作品的市場反應非常冷淡，為了繼續(xù)藝術(shù)創(chuàng)作生涯，昆斯去華爾街當起了證券經(jīng)紀人，正是這一段商海生涯令他終生難忘，從此，他保持了一個商業(yè)人士精明的頭腦和從血液里散發(fā)出對金錢的敏感。在世人傳統(tǒng)的意識里，藝術(shù)家理應是一班“視金錢如糞土”的家伙，但這個觀念從達明·赫斯特和杰夫·昆斯開始被完全顛覆。西方在世的當代藝術(shù)家中，身價最昂貴的當屬達明·赫斯特，與之齊名的杰夫·昆斯以既俗且貴聞名于世。杰夫·昆斯給人留下深刻印象的作品包括玻璃罩中的吸塵器、水族箱中的懸浮籃球、鍍金的名人像、不銹鋼或陶瓷小玩意兒等等。55歲的杰夫·昆斯，也是中國當代藝術(shù)家們的“靈感”源泉和重要的模仿對象?，F(xiàn)在，昆斯似乎厭棄了自己純度太高的藝術(shù)家身份，過去的幾個月，他甚至從中分化出了收藏家、策展人的多重角色含義。但他既然決定從事收藏與策展就是想證明自己的深度，他宣稱自己的策略是讓藝術(shù)變得美麗、客觀、親切，能夠與觀者形成互動進而賦予觀者力量。他再次制造了公眾話題，進入了眾人關(guān)注的焦點。
杰夫·昆斯是80年代中期升起的藝術(shù)之星，他以準確精致的日用品的復制品、可愛的卡通形象以及充滿想象力的大眾圖象組合不斷地給世人帶來一個又一個新的視覺沖擊，他是當代波普藝術(shù)的探索者。杰夫·昆斯毫不猶豫地汲取了藝術(shù)史上的一切養(yǎng)分，達達主義、杜尚手法、極少主義以及早期波普藝術(shù)都成為他參考與借鑒的源泉。他高舉與大眾交流的大旗，勇于向高雅文化叫板，向傳統(tǒng)美學的等級理念挑戰(zhàn)。
克拉斯·歐登柏格（Claes Oldenburg，1929年－），瑞典公共藝術(shù)大師，1950年畢業(yè)于耶魯大學，1956年定居紐約市，此后三十年，他發(fā)表了無數(shù)的雕塑、素描、繪畫及行動藝術(shù)等作品。
「蘋果核」（Apple Core，1992），與 van Bruggen 共同制作而成，位于耶路撒冷以色列博物館的比利羅斯藝術(shù)花園
Oldenburg 以現(xiàn)代生活中的廢棄物為創(chuàng)作靈感打造的作品，從一開始就大受歡迎。1960 年，他舉辦了自己的首個重要展覽「街道（The Street）」，展出了許多破舊粗糙、搖搖晃晃的剪紙作品。該展覽在西村的耶德遜紀念教堂舉行，持續(xù)了好幾周的時間。從此之后，他就一直是媒體和大眾關(guān)注的焦點。Oldenburg 曾于 1995 年在古根海姆博物館和美國國家美術(shù)館舉辦了展覽，后來又于 2009 年在惠特尼藝術(shù)博物館舉辦了回顧展，他最近的一次展覽是在 2013 年于現(xiàn)代藝術(shù)博物館舉辦的。
他對日常事物（蛋筒冰淇淋、打字機和馬桶）進行再創(chuàng)作，呈現(xiàn)出一系列柔軟的雕塑，它們有些懸在墻壁上，有些攤在地板。在許多博物館的波普展廳，你都能看到這些「異類」的蹤影。它們在藝術(shù)的世界里壞笑、頹喪、狂歡，像一群滑稽演員，又像是抑郁癥患者。
尼古拉斯?帕蒂，1980年出生于瑞士洛桑，在洛桑藝術(shù)學院獲得美術(shù)學士學位，后于2009年畢業(yè)于格拉斯哥藝術(shù)學院獲得文學碩士學位，現(xiàn)工作生活于布魯塞爾和紐約。
尼古拉斯?帕蒂是一位具象派藝術(shù)家，因其大膽、超凡脫俗的風景、肖像和靜物作品廣受贊譽，同時也挑戰(zhàn)了具象藝術(shù)的傳統(tǒng)。他的作品主要由柔和的色粉創(chuàng)作。在21世紀，色粉是一種獨特的媒介，可以讓他在描繪自然和人造之物中，創(chuàng)作出不同尋常的深淺和流動感。通過將這些物件轉(zhuǎn)化成抽象生物的形態(tài)，帕蒂在作品中傳遞了更深一層的關(guān)聯(lián)與意義。他把獨有的視覺表達融合進一個充滿幻想角色和圖案的世界中，其中視角被提升，呈現(xiàn)一種不可思議的效果。主要以色彩飽和的繪畫和壁畫而聞名，同時他還制作彩繪雕塑、粉彩、裝置、版畫和素描，以對色彩的豐富運用而受到市場追捧。
帕蒂作品經(jīng)常涉及貓、水果、樹和花等主題，不過它們并非對自然的直接描繪，而是與此類繪畫題材的歷史持續(xù)進行著對話。在創(chuàng)作中，帕蒂選擇去除某些細節(jié)，以此強調(diào)作品的永恒性和跨文化特質(zhì)，為多元化的解讀留以空間。帕蒂作品中的形象從不透露它們的來源和意圖，圍繞它們的敘事也因此難以展開。它們是僅存于想象中的純粹之物，在熟悉的與怪異的邊界徘徊。與此相類似的，觀者將會在展覽現(xiàn)場看到以大理石為原料創(chuàng)作的雕塑和精心繪制在不同材料表面的大理石紋理，它們的并置以一種微妙的不和諧揭示了現(xiàn)實和我們主觀感覺之間的差異。
哈羅德?安卡特，1980年出生于布魯塞爾，2007年于比利時坎布雷國立視覺藝術(shù)高等學院獲得藝術(shù)碩士學位，現(xiàn)工作生活于布魯塞爾和紐約兩地。
哈羅德?安卡特以其雕塑裝置藝術(shù)而出名。他的創(chuàng)作總在諸多藝術(shù)媒介之間跳躍，利用多種多樣的媒體為觀眾創(chuàng)造多元的體驗。安卡特的創(chuàng)作通常從繪畫標記開始，在空曠、參差不齊的畫面中揮就奇幻、依稀的夢境，并通過其表面的觸覺質(zhì)感創(chuàng)造出《無題》中的感官效果。明滅不定的輸電線在巨大的夜色中不停擴張和收縮，遠方殘碎的風景無法看到，但你知道它就在那里。流浪者的形象是安卡特作品中的特征：繪畫的手勢創(chuàng)造出無邊無際的畫面，人物懷著對遠方的向往，跋涉于無形的國度。
哈羅德?安卡特的作品被納入眾多國際機構(gòu)永久收藏，包括巴塞爾貝耶勒基金會美術(shù)館、華盛頓特區(qū)赫施霍恩博物館與雕塑園、慕尼黑市立倫巴赫美術(shù)館、丹麥路易斯安那現(xiàn)代藝術(shù)博物館、得克薩斯州休斯頓梅尼勒藝術(shù)館、巴黎現(xiàn)代藝術(shù)博物館、洛杉磯現(xiàn)代藝術(shù)博物館、紐約所羅門?R?古根海姆博物館以及紐約惠特尼美國藝術(shù)博物館。
?。―aniel Popper）是一位跨學科藝術(shù)家，以其栩栩如生的雕塑和壯觀的公共藝術(shù)裝置而享譽全球。Daniel擅長于互動藝術(shù)、公共藝術(shù)、舞臺設(shè)計、裝置藝術(shù)和室內(nèi)設(shè)計。
希吉肯·皮倫，皮倫1977年出生于土耳其首都安卡拉，現(xiàn)工作、居住于伊斯坦布爾。
他曾就讀于土耳其伊斯坦布爾安納托利亞藝術(shù)高中（Istanbul Anatolian Fine Arts High School）繪畫部和希南藝術(shù)大學（Mimar Sinan University）繪畫系，后獲希南藝術(shù)大學雕塑系碩士學位。皮倫曾多次在美國、英國、瑞士、土耳其、新加坡等國舉行個展，并多次受邀參加群展。他從20歲開始就屢獲國際國內(nèi)獎項，目前是土耳其炙手可熱的藝術(shù)家。
奧斯卡?穆里略，1986年出生于哥倫比亞，10歲時他隨家人一起移居倫敦。2007年，穆里略獲得倫敦威斯敏斯特大學的純藝術(shù)學士學位，2012年他于倫敦皇家藝術(shù)學院獲得藝術(shù)碩士學位。
由于穆里略的移民背景，他的創(chuàng)作與“社群”的概念密切相關(guān)，作品體現(xiàn)出他在全球各地進行創(chuàng)作時與不同城市和地區(qū)建立起的跨文化聯(lián)結(jié)。穆里略的創(chuàng)作非常多元化，包括油畫、行為藝術(shù)、裝置、出版、雕塑等等。
他在創(chuàng)作中融入多種媒介和技術(shù)，比如文字、現(xiàn)成品、布料與大量的拼貼，以映射他對當今全球化之下的地理、歷史和經(jīng)濟轉(zhuǎn)變的關(guān)注。
作為世界知名雕塑藝術(shù)家，在四十多年的創(chuàng)作中不斷地探索身體和空間的關(guān)系，試圖在藝術(shù)中追尋人類存在對于自我以及自然的意義。他認為“藝術(shù)的意義在于交流生存的感受”。運用“人的體形”進行創(chuàng)作并將作品置于公共空間與自然環(huán)境中，探索意識與身體、人體與空間的關(guān)系，是他近年來的主要創(chuàng)作主題。此次展覽讓觀眾更加直觀地以接觸安東尼·葛姆雷的作品，是直接和強烈的“沉浸式”體驗，讓觀者進行身體與空間關(guān)系的思考。
“我很小的的時候，在幽閉癥的體驗環(huán)境當中得到一種外來的體驗、就像從內(nèi)心找到了一片大草原自由奔馳的感覺、從控制、被控制變成了一種特別的類似于冥想式的自由”。這樣的思維貫穿著安東尼·葛姆雷四十多年的創(chuàng)作歷程，將藝術(shù)創(chuàng)作置于無限廣闊的宇宙環(huán)境下，體悟人與自然的關(guān)系及物質(zhì)存在的永恒性。
安東尼·葛姆雷的作品風格主要可以分為三個階段，從早期對人體雕塑與展示空間的理解，到裝置作品與公共空間的聯(lián)系，再到裝置作品與自然環(huán)境的融合?？梢钥闯?，從室內(nèi)空間到公共空間，再進入自然環(huán)境，他的情懷在不斷放大，從“小我”逐漸走向“大我”。
20世紀70年代他的作品更多的是關(guān)注人的心靈體驗，從人文關(guān)懷的角度表達對人生經(jīng)歷的感悟。這一時期他游歷中東地區(qū)并在印度和斯里蘭卡等地的寺廟學習、研究佛教冥想，之后創(chuàng)作了《沉睡之地》（Sleeping Place） 、《形態(tài)》（Figure）等作品，靈感就來源于他在印度的游歷，這也是他骨子里悲天憫人的天性所致，為他之后的創(chuàng)作提供了無限靈感。
20世紀80年代，他的作品從材質(zhì)、語言角度進入到另一種形態(tài)，思考著人存在于公共空間的合理性與歸屬感，基本以公共藝術(shù)裝置作品呈現(xiàn)。他的代表性作品之一——《北方天使》（Angle of the North）就是這一時期創(chuàng)作的，矗立在曠野中的巨大人像好似燈塔般的存在，但也是在無垠的荒野中，對靜止生命和流動時間進行深刻的思考。在這一時期的其它幾件公共裝置作品也都是如此，身體與周邊環(huán)境是其創(chuàng)作考慮的主要因素，將觀者置于當下，沉浸式的體驗，引發(fā)“看與被看”的思考。
第三個階段，是在2000年之后，他的作品與自然環(huán)境產(chǎn)生聯(lián)系，“人是從自然界借來的臨時貸款”是他在這一時期的重要觀念。在一次次的探索中，他思考著身體與空間的表達方式,并且探尋著“沉浸式”與“空間化”的藝術(shù)形式，其實在他的作品里，雕塑只是一個藝術(shù)種類的名稱，思考人與空間的共存性、互動性才是他所追求的藝術(shù)表達，這也是他不同于其他雕塑藝術(shù)家的原因之一。
1962年出生于北京，1988年畢業(yè)于中央美術(shù)學院雕塑系，1996年畢業(yè)于中央美術(shù)學院雕塑系研究生課程班，現(xiàn)居北京，任職于中央美術(shù)學院雕塑系。展望是中國當代最重要且身價最高的觀念雕塑家之一，也是第一個作品被美國大都會博物館永久收藏的中國藝術(shù)家。其20世紀90年代初期的超級寫實主義雕塑《坐著的女孩》已是美術(shù)史的經(jīng)典，“中山裝”實驗則被認為是中國當代新雕塑的開端。他自1995年至今一直創(chuàng)作的不銹鋼作品，獲得了國際藝術(shù)界的高度贊譽。
特別是代表作“假山石”系列，以中國古代園林中的太湖石為原型，手工打造出光滑閃亮的不銹鋼山石，這種不重意義、重視覺沖擊的新圖像，既似烏托邦的隱喻，又如現(xiàn)代化的鏡像，深刻反思著中國當代文化如何在快速變遷的社會進程中重塑傳統(tǒng)的重要命題。
展望首次在上海舉辦的大型個展，也是其藝術(shù)生涯至今最大的個展。展覽呈現(xiàn)了展望二十多年藝術(shù)生涯的代表作，包括早期作品《中山裝》、《假山石》，近年來探索自然與宇宙的《素園造石機》、《小宇宙》，以及今年首次結(jié)合3D輸出科技手段進行創(chuàng)作的《隱形》等。
印度最先鋒、最知名的當代藝術(shù)家之一，生于1964年的。曾被媒體譽為“印度當代藝術(shù)教父”、“印度的達明·赫斯特”。
隨著印度當代藝術(shù)在世界上的關(guān)注度越來越高，世界上各大知名博物館、藝術(shù)博覽會和雙年展上都頻頻出現(xiàn)古普塔的作品，在眾多重要國際雙年展及世界性展覽中，他的作品始終脫穎而出。古普塔更于2013年獲得代表最高榮譽的法國藝術(shù)暨文學騎士勛章以表彰他對當代藝術(shù)的貢獻。
古普塔的藝術(shù)實踐使用了各式媒體——雕塑、裝置、繪畫、攝影、行為和影像等，盡管早年習畫，但最為人熟知的卻是他巨型的雕塑及裝置作品。古普塔經(jīng)常使用印度日常生活所見的金屬用品——例如鐵制水桶、不銹鋼器皿、午餐盒、錫罐、金屬廚具、自行車、小板凳等傳統(tǒng)的用具，用極簡的方式重新組合成讓人過目難忘的超現(xiàn)實雕塑。
